백조의 호수는 고전 명작 발레입니다. 이건 누구라도 다 아는 사실이죠. 마법에 빠진 백조가 진정한 사랑을 만나면 마법이 풀려 본 모습으로 돌아올 수 있지만, 잘못된 사랑에 빠져서 결국 자살하게 된다는 애절한 스토리의 이 발레는 어찌보면 남녀차별적인 요소들을 찾아볼 수 있습니다. 왜 여자는 순수한 존재로 나오는 거죠? 그리고 왜 여자는 순수를 잃으면 죽어야 하는거죠? 물론 옛날의 작품에 이런 식의 기준으로 평가하기 시작하면 한도 끝도 없는 것도 사실입니다. 하지만, 블랙 스완은 바로 그 지점에서 출발합니다. 순수한 인간과 욕망에 사로잡힌 인간, 그 두 상극이 하나의 인물에 녹아들면 어떻게 될까 말이죠.

블랙 스완은 백조의 호수를 재해석하는 곳에서부터 시작합니다. 인간은 순수한 부분도 있는 동시에, 사악하고 욕정에 사로잡힌 모습도 존재합니다. 그렇다면, 백조와 흑조를 한 발레리나가 동시에 표현하면 어떻게 될 것인가? 이로 인해서 백조의 호수는 의미심장해집니다. 순수한 사랑과, 강렬한 욕망의 유혹. 결국 유혹에 굴복하여 순수성이 소멸하죠. 이렇게 보면, 두 역을 하나의 발레리나가 연기하면, 순수한 소녀의 사랑과 비극에 대한 이야기가 인생과 사랑에 대한 묘한 메타포로 변화하게 됩니다.

하지만, 한가지 문제가 있습니다. 인간은 다면적인 존재지만, 다면적으로 극단적인 존재는 아닙니다. 순수하면서 욕정에 사로잡힐 수는 없고, 남자를 유혹하면서 소녀적인 수줍음, 순수함의 감성을 지닐 수 없습니다. 하지만, 만약 그것을 하나로 통일시킨다면, 그것은 예술적인 완전함의 경지라고 볼 수 있을 것입니다. 완전함, 이것이 블랙 스완의 영화 내내 나오는 중요한 소제입니다. 그리고 영화는 그 완전함이라는 것은 하나의 편집증적인 광기며, 자기 파괴적일 수 밖에 없다고 보고 있습니다.

영화의 주인공, 니나는 훌륭한 발레리나이기는 하지만, 위대한 발레리나는 아닙니다. 훌륭하기는 하지만 강박관념에 사로잡혀 있어 자신을 풀어주지를 못하고, 끝없이 연습하지만, 중요한 역할을 맡지 못하고 항상 조역을 맴돌죠. 그러한 그녀가 기회를 잡아 여왕 백조와 백조의 역을 동시에 맡게 됩니다. 하지만, 두 역을 동시에 맡았음에도 불구하고, 그녀는 여왕 백조 역할, 그녀의 욕정과 갈망, 욕망을 제대로 드러내지 못하죠. 그렇기에 그녀는 여왕 백조 역을 드러내지 못하는 자신에 대한 강박관념적인 모습을 드러내고, 그리고 자신을 끝까지 몰아붙이다 결국은 자살에 가까운 자학을 하게 됩니다.

재밌는 점은 니나 자신 역시 어두운 부분을 갖고 있었다는 것입니다. 영화의 곳곳에서 드러나죠. 단장이 기습적으로 키스를 하자 깨무는 부분, 동료 단원의 물건을 훔치는 부분 등에서 말이죠. 하지만, 본인은 스스로 자각을 하지 못합니다. 오히려 그러한 자신의 내밀한 욕망에 대해서조차도 그녀는 강박적으로 대처하게 됩니다. 이러한 모습은 그녀의 욕망이 드러나는 장면들에서 드러나는데(동료단원과의 동성애 장면, 햘퀴기 장면 등등), 그녀의 욕망이 실현되는 순간(망상의 장면)에서도 그녀는 그녀의 욕망의 주체가 아니라 수동적으로 받아들이는 존재입니다. 즉, 니나는 스스로 자기 자신을 순수한 존재-욕정에 사로잡힌 존재로 이분하여 자아분열을 일으키지만, 그 미쳐가는 과정조차도 ‘자신’일 수 없는 비참한 존재로 묘사된다는 것입니다. 예술가가 완벽함에 집착하여 자신을 잃고 미치는 것, 블랙스완이 보여주는 것은 그러한 자기 파괴적인 모습에 대한 탐미적인 해석입니다.

니나 역을 맡은 나탈리 포트만은 이러한 붕괴의 과정을 ‘완벽’하게 표현하고 있습니다. 영화 전반적으로 니나는 소녀와도 같은 분위기를 풍기죠. 하지만 가끔씩 튀어나오는 그녀의 히스테리컬한 발작이나 파괴적인 행동은 다른 사람이 아닌, 니나 자신의 어두운 일면, 또는 그녀의 소녀적인 모습의 연장선상에서 이해할 수 있습니다. 그리고 니나 자신은 그걸 깨닫지 못하고 있지만, 동시에 그녀의 행동 자체는 그녀라는 존재에 비추어봤을 때 대단히 자연스러운 것입니다. 이러한 복잡 오묘한 케릭터를 훌륭하게 재현한 데는 나탈리 포트만의 공이 가장 크다고 할 수 있습니다.

이 영화로 데런 아르노프스키 감독은 기존의 정형적인 주제에서 벗어나지 못한다는(레슬러, 레퀴엠) 비판을 벗어나서 한 차원 높은 자신만의 세계관을 구축했습니다. 그 점에서도 의의가 깊은 영화죠. 또한 영화 자체가 그가 여태까지 감독했던 영화 스타일들의 집결체인 만큼, 영화적인 편집이나 카메라워크 등의 완성도도 뛰어나다고 할 수 있습니다. 그런 의미에서 블랙 스완은 훌륭한 영화입니다.

 샬롯 브론테 소설, 제인 에어는 상당히 독특한 소설입니다. 페미니즘 작품의 효시로 분류되면서도 동시에 신데렐라 스토리의 구조를 따르고 있는 상당히 모순적인 구조를 보여주죠. 제인 에어는 이성적이면서 기존의 권위에 반항적인 여성이지만, 동시에 아무에게도 사랑 받지 못했던 불운한 과거를 지닌 여성입니다. 예쁘지도 않지만 남성 위주의 권위적 사회에 대해 당돌한 태도를 지니는 그녀가 자신의 행복을 로체스터라는 외부의 존재로부터 찾는 것은 어쩌면 상당히 모순적인 부분이라 할 수 있습니다. 제인 에어는 여러차례 영화화 되었지만, 그러한 모순점에 대해서 상당히 취약한 모습을 보여왔습니다. 하지만 2011년에 만들어진 제인 에어는 이러한 모순점에 대해서 나름대로의 해결책을 제시합니다. 하지만, 그전에 먼저 다루어야 하는 논점이 있습니다.

 흔히, 제인 에어를 표현할 때, 권위에 저항하는 신여성적인 모습을 강조합니다. 소설 전반에서 다루고 있는 제인 에어의 매력은 권위에 저항하지만 동시에 뛰어난 외모를 지니지 않은, 평범한 인간이라는 점입니다. 그렇기에 많은 사람들이 신분이나 직위, 사회적 권위를 뛰어넘어서 당돌한 태도를 지닌 제인 에어를 페미니즘 문학의 선구자로 평하는 것입니다. 그 어떤 여성이라도 깨어있으면 어떤 지위나 어떤 외모를 지녀도 제인 에어같은 자유로운 영혼을 가질 수 있다는 것이죠. 하지만, 이는 소설의 절반만을 해석한 것입니다. 여기서 가장 큰 문제는 제인 에어의 사랑입니다. 앞서 이야기 하였듯이, 제인 에어의 이야기 구조는 대단히 모순적으로 보입니다. 남자에게 당돌한 여자가, 남자와 결혼하여 예속된다라는 모순적인 구조를 취하니까요. 하지만, 다른 관점에서 보면 상당히 의미 심장하다는 것을 알 수 있습니다. 

 여기서 분명하게 할 점은, 제인 에어의 러브 스토리는 제인 에어로부터 시작되는게 아니라 로체스터로부터 시작된다는 것입니다. 그렇다면 왜 로체스터는 제인 에어에게 반했는가? 라는 질문이 생깁니다. 알다시피, 제인 에어는 예쁜 여자하고 거리가 멀며, 신분이나 재산, 그리고 남자나 세상을 대하는 태도에 있어서 그당시의 이상적인 여성상하고 거리가 먼 사람입니다. 그런데, 로체스터는 그녀에게 끌리죠. 영화나 소설은 그러한 로체스터의 기이한 끌림에 대해서 많은 설명이 없습니다. 하지만, 몇몇 맥락에서 로체스터가 제인 에어에게 끌리는건 명확한 실체를 가집니다.

 먼저, 로체스터는 원래 아내이자 미쳐버린 정신병자, 버사 메이슨을 자신의 저택에 가두어놓고 있죠. 그러나, 로체스터는 역설적이게도 자신의 아내를 너무나 사랑했기에 정신병원이 아닌 자신의 곁에 두고자 한 것입니다. 그리고 버사가 저택에 불을 지르고 자살을 할때, 로체스터는 그녀를 구하기 위해서 다시 불타는 저택으로 뛰어들죠. 마지막으로 가장 결정적인 단서는, 로체스터는 제인 에어와의 결혼을 통해서 자신을 구원하고자 했다는 것입니다. 이러한 몇몇 사건들을 통해서 생각해 보았을 때, 로체스터가 제인 에어에게 끌리는 것은 단순하게 볼 일이 아닙니다. 로체스터가 제인 에어를 사랑한 것, 그리고 제인 에어로부터 자신의 '죄'를 구원받고자 한 것은 로체스터의 눈에는 제인 에어와 버사 메이슨이 서로 닮은 점이 있었기 때문입니다. 즉, 그는 과거의 당돌하고 세상에 대해서 열린 시각을 가졌던 페미니스트 버사 메이슨을 사랑했기에, 미쳐버린 그녀를 부양하면서 동시에 버사 메이슨의 분신인 제인 에어로부터 구원받고자 한 것입니다.

 만약, 그 시대가 버사 메이슨, 페미니스트를 미치게 만들었거나, 혹은 페미니스트를 '미친년' 취급했다면, 도대체 소설 속에서 무엇이 제인 에어를 제정신으로 붙잡고 있을까요? 영화는 대답을 제인 에어의 불행했던 인생에서 찾습니다. 그녀는 그녀의 인생에서 정당한 사랑을 받아본 적이 없죠. 그녀의 부모가 죽은뒤에 친척 집에 맡겨졌을 때도, 그녀가 학교에 들어갔을 때도, 그녀가 로체스터에게서 떠난 뒤에 목사 집에서 묵었을 때도, 모두 그녀에게 정해진 역할로서의 여성 모델을 강요합니다. 그렇기에 그녀의 정열은 제한을 받죠. 하지만, 그녀가 로체스터의 저택에 도착했을 때, 그녀는 변하게 됩니다. 정열에 대해서 눈뜨는 거죠. 그녀가 여성의 누드화를 보러 나오는 장면이나, 그녀의 그림 그리는 모습 등등에서 그러한 모습이 나옵니다.

 하지만 제인 에어가 버사 메이슨과 차이가 나는 부분은, 바로 자기 자신이 그러한 정열에 있어서 주도권을 잡고 있다는 것입니다. 제인 에어가 처음 로체스터에 대해서 갖는 미묘한 거리감이나, 로체스터의 사랑에 대해서 두려워 하는 모습은 그녀의 정열보다 그녀의 이성이 우선한다는 것을 보여주죠. 하지만, 그녀가 로체스터의 비밀, 버사 메이슨을 알게 되고 로체스터를 떠났을 때, 이성적으로든 정열적으로든 자신과 같은 신여성이 있을 곳은 로체스터 곁밖에 없다는 걸 결국 알게 됩니다.

 영화는 이러한 이야기를 상당히 조심스럽고, 섬세하게 표현합니다. 다양한 곳에 숨어있는 복선들이나, 인물의 위치, 소리, 소품들을 사용해서 감정적인 이야기를 절제하는 모습을 보여줍니다. 사실 이러한 소설 원작의 영화들이 어느정도 표현이나 주제의 한계가 있음에도 불구하고, 2011년 판 제인 에어는 그러한 문제를 훌륭하게 극복하는 모습을 보여줍니다. 본질적으로 러브스토리라는 점에서는 기존의 영화들과 같지만, 2011년판 제인 에어는 다른 제인 에어 영화들과 차별되는 완성도를 보여주는 작품입니다. 기회가 되면 꼭 보시길.

1.

이 글은 사실 리뷰라기 보다는 에바:파에 대한 감상글입니다. 사실 제가 감상과 리뷰의 개념이 혼재하여서 블로그에 포스팅하고 있는 것은 사실입니다만, 대체로 감상은 아직 완결되지 아니한 작품에 대해서, 리뷰는 완결된 작품에 대해서 다루고 있습니다. 그리고 제가 에바:파를 보면서 느낀 것은 아직 가이낙스가 완성된 형태의 새로운 에반게리온은 전체 작품을 보아야 알 수 있겠다는 점이었습니다. 아마 그때 즘이면 제가 생각하고 있는 부분이나 감상의 포인트로 잡았던 부분, 예상 및 전반적인 평가를 내릴 수 있겠지만, 현재는 한 작품을 4편의 작품으로 쪼개놓았다는 느낌이 강하기에 뭐라 평가하기가 미묘합니다.

하지만 분명한 점은 이번 작품이 전체 작품을 놓고 보았을때 중요한 터닝 포인트가 되었다는 점이죠.

2.

 기본적으로 에반게리온 파는 전작인 서에 비해서 엄청난 변화점을 갖고 있습니다. 우선 전작이 기본적으로 원 TV판에서 스토리에 약간 약간식의 변화를 준 정도의 미묘한-사실 비주얼적인 측면이나 설정적인 측면에서 큰 차이가 있기는 했지만-변화점이 존재했지만, 그럼에도 불구하고 파의 변화점에 비해서는 비교적 온순한 편입니다. 일단 사도가 붙은 에바를 처리하는 장면이나 에바 5호기와 신 파일럿, 느부갓네살의 열쇠, 중간의 레이가 신지와 겐도를 이어주기 위해 노력하는 장면 등이 큰 차이라고 할 수 있죠. 그리고 그 정점에는 마지막 클라이맥스의 지오프론트 교전이 존재하는데, 사실상 그 자리에서 "끝!"이라고 외쳐도 이상하지 않을 정도로 분위기를 몰아놓고서는 하늘에서 카오루가 내려오면서 의미심장한 대사를 날리고는 서드 임펙트를 막는 장면은 충분히 실시간으로 보는 사람들을 벙찌게 만들정도로 충격적인 부분이었습니다.

카오루의 등장 포인트나 마지막 지오프론트에서의 결전 등은 TV원작의 스토리 노선을 완전히 벗어난 부분이었죠. 어찌보면, 신 극장판이 나온다는 이야기가 나왔을 때 팬들이 기대한 것은 이게 아니었나 싶을 정도입니다.

3.

이러한 극장판 파의 급격한 변화점의 이유를 찾기 위해서는 먼저 원작이 어떤 성격을 지니는지, 그리고 원작과 파의 차이점을 찾아내고 이를 토대로 파가 어떤 작품을 지향했는지를 알아내는 것이 중요합니다. 일단, 이제는 전설이 된 에반게리온 원작 TV판의 특징을 살펴보도록 하죠. 우리가 이미 익히 아는데로 에반게리온 시리즈는 이제 애니메이션 역사에서 빠뜨릴 수 없는 작품입니다. 뛰어난 심리묘사, 뒤틀린 슈퍼 로봇물의 클리셰, 모호하고도 복잡한 상징체계 등등...에바의 특징을 표현할 수 있는 단어는 엄청나게 많습니다만, 이들을 아우르는 가장 중요한 코드는 주인공 이카리 신지라는 소년의 성장입니다. 신세기 에반게리온은 신지가 에바 초호기에 타면서 생기는 다양한 사건과 인간관계, 좌절, 희망, 절망, 극복 등의 과정을 통해 한 사람으로 성장해 나가는 모습을 높은 완성도로 묘사하였고, 이는 당시 많은 사람들에게 '신지의 분노가 마치 나의 분노처럼 느껴졌었다.'라고 표현할 정도로 큰 감응을 이끌어냅니다.

신세기 에반게리온의 이야기 구조에 있어서 독특한 점은 바로 이야기의 네러티브가 총 두개라는 점입니다. 하나는 신지와 아스카, 레이, 그리고 그 아이들을 둘러싼 환경과 사건이고, 또다른 하나는 아이들에 대한 제레, 겐도, 네르프 등의 어른들의 완성된 음모입니다. 아이들은 행복해지고 싶지만, 어른들의 음모와 짜여진 이야기에 부딪히고 좌절할 수 밖에 없습니다. 이러한 큰 음모에 대해서 순응하거나(레이), 그 속에서 행복을 찾거나(아스카), 혹은 방황하며 반항하는(신지) 모습을 보여줌으로서 아이들은 조금씩 어른이 되갑니다. 이러한 정해진 이야기, 답답한 세계 속에서 벗어나려는 아이들의 노력과 좌절을 뛰어난 심리묘사를 통해 드러내었고, 그리고 전반적으로 암울하면서 정적인 분위기를 지향함으로써 보는 사람으로 하여금 같이 그 케릭터의 고뇌를 느끼게 만듭니다. 또한 서드 임펙트(낡은 생명체, 즉 구세대, 어른은 멸망하고 새로운 아이들의 세계가 열린다), 어머니와 오이디푸스 콤플랙스(에바 초호기와 겐도, 그리고 신지), 인공양수와 인공자궁(LCL과 엔트리 플러그), 에반게리온(Evangelion, 복음을 전도하는 자, 어떤 복음을?), 사도, 사해 문서, 리리스, 아담 등의 기독교 상징체제를 이야기 네러티브에 유기적으로 잘 활용하였고, 결과적으로 작품에 깊이가 있어보이는 것과 같은 효과를 내게 하였습니다. 

하지만, 에반게리온 TV판 자체의 결말은 예산 부족으로 인해 상당히 난감(?)하면서 성급한 결말을 내렸습니다. 이에 대해 가이낙스는 에바의 후폭풍을 이용해서 훗날 진정한 결말이라 주장하면서 만든 등장한 엔드 오브 에반게리온을 내놓게 됩니다. 화려한 비주얼, 나름대로의 납득이 될만한 결말을 내리는데 성공을 하나, 역시 대부분의 이야기의 복선은 회수되지 못하였고, 오히려 '무슨 이야기인지 도통 모르겠다'라는 팬들의 원성 및 비난을 사게 되었죠. 그리고 이제 시간은 흘러 新 신세기 에반게리온 극장판이 등장하게 됩니다.

4.

破는 이러한 기존의 에반게리온의 이야기를 뒤트는 결정적인 터닝포인트입니다. 그 중 가장 특이하다 할 수 있는 점은 바로 기존의 두 개의 네러티브-어른과 아이의 이야기-의 관계가 변화하게 되죠. 즉, 기존의 에반게리온에서는 '어른의 음모에 의해서 행복해질 수 없는 아이들'이라는 종속된 이야기 구조 형태가 종속되었지만 더 적극적으로 대항하는 모습을 보입니다. 이는 주인공들이라 할 수 있는 레이, 아스카, 그리고-특히-신지의 행동과 심리묘사를 통해 드러납니다. 레이가 신지와 겐도를 이어주기 위해서 식사 준비를 하는 적극적인 모습을 보인다던가, 아스카가 에바 이외의 타인에게 신경을 쓰는 장면이 나오는 등 케릭터들의 성격이 변화하기 시작합니다. 이는 이 두 케릭터들이 기존의 어른들의 시스템 내에서 종속되거나 행복을 찾는 것이 아닌 자신의 주변에서 소소한 행복을 찾고, 누군가 행복해지길 기원한다는 점은 전작에 비해 큰 변화입니다. 그렇기에 작품은 과거의 감정의 모호성, 정적인 구도, 사이코 드라마 등의 요소가 아닌 적극적인 대처와 감정 교류를 보여주어서 오히려 예전의 작품보다 시원시원 해진 느낌을 주죠.

특히 이는 신지의 케릭터 변화는 위의 두 케릭터 보다 더 극적이고, 에바 파의 본질을 잘 드러내는 부분입니다. 일단 기존의 TV판에 비해서 케릭터가 상당히 적극적으로 자기 감정을 표출합니다. 또한 분노의 표현 강도 또한 상당히 올라가는데, 원작에서 출연비중이 적었던 토우지가 아닌 중요 케릭터라 할 수 있는 아스카가 3호기 테스트 파일럿이 되고 큰 부상을 입게 되면서 관객에게 큰 충격을 줄 뿐만 아니라 신지가 표현하는 분노를 원작에 비해 역동적(아버지 같은거 죽어버려! 라던가...)으로 표현하여 신지가 느꼈던 충격과 공포를 관객들에게 납득시킵니다. 특히 극중 클라이맥스 부분인 제르엘-통칭, 휴지사도-과 초호기의 싸움에서는 오히려 신지가 '모두'를 구하는 것이 아닌 '레이'라는 특정한 인물을 구하기 위해서 초호기를 타는 점-미사토의 표현대로, "모두를 위해서가 아닌 자신의 행복을 위해 에바에 타고 싸우는 것"-이나 제르엘과의 전투에서 밀리자 방어기제로서 초호기가 폭주하는 것-어머니의 자식에 대한 과보호-이 아닌 스스로의 '의지'로 플러그 심도를 높여서 레이를 구하는 모습은 신지가 이미 원작에서의 수동적인 모습이 아닌 적극적이며 반항적인 케릭터로 변모했다는 것을 잘 보여줍니다.

결국 에바 파에서 드러나는 가장 큰 특징은, 어른들이 준비한 각본-제레의 인류보완계획이나 겐도의 계획-이 아닌 자신들의 행복을 찾아서 자립하는 아이들의 이야기가 전면에 등장한다는 겁니다. 그것은 에바를 통해서 묶여졌지만, 에바가 주된 것이 아닌 에바 바깥에서 찾게 되고, 그리고 거기서 에바는 아이들의 분신이자 도구가 됩니다. 그러한 변화 속에서 신지는 자신의 의지로 서서 행복을 찾아내게 됩니다. 그리고 그것은 바로 어른들의 각본을 깨뜨리고 서드 임펙트, 즉 신세대의 강림을 초래합니다. 하지만, 파는 그러한 결말이 아닌 기막힌 반전, 갑작스러운 카오루의 등장과 기존 에반게리온 스토리의 붕괴를 불러 일으키고 이야기를 새로운 국면으로 이끕니다.

5.

에반게리온 파는 신 극장판의 방향성을 보여준 작품입니다. 그리고 기존의 에반게리온과 다른 이야기를 선택함으로서 기존의 작품을 떠나 새로운 작품으로 나가게 됩니다. 하지만 그럼에도 불구하고 비슷한 이야기의 구도, 다른 디테일과 세계관, 하지만 거대한 틀에서는 하나의 작품이라는 이 기묘한 상황을 과연 Q나 결에서 어떤 식으로 마무리 지을 것인가, 그리고 과연 이번에는 모두가 납득할 수 있는 결말을 낼 수 있을 것인가 라는 문제가 남아있습니다. 물론, 이미 파에서 충분히 납득할만한 이야기전환을 보여주었기에 저는 크게 걱정하지 않습니다.

6.

결론적으로 이번 작품은 신 극장판 다운 기존 작품에 대한 재해석 및 이야기 구조의 변화 등 다양한 변화를 시도한 작품이며, 기본적으로 조금 미묘한 전작에 비해서 더 극장판 스러워진 모습을 보여주는 작품입니다. 기존의 에반게리온을 재밌게 보신 분이라면 신 극장판 역시 기대할만한 물건이 된다는 것을 여지없이 보여주었습니다. 물론 작품으로서의 신 극장판에 대한 판단은 좀더 유보하고 조심스럽게 지켜봐야 되지 않을까라는 생각도 듭니다.

구르믈 버서난 달처럼은 만화 원작의 이준익 감독의 신작 영화입니다. 개인적으로 이준익 감독의 팬이면서 동시에 원작을 매우 좋아하는 사람의 입장으로서, 이 작품에 대해서 기대 반 걱정 반으로 지켜보고 있었고, 오늘에야 그 결과를 확인하게 되었네요. 제가 걱정하는 부분은 이렇습니다. 먼저 원작은 임진왜란과 정여립 모반을 배경으로 다양한 인물 군상의 만남과 해어짐, 그리고 자유롭게 사는 것, 구름을 벗어난 달처럼 이라는 핵심 문구 아래서 세상도 차별도 과거도 모든 것을 초월한 삶에 대해서 다루고 있기 때문입니다. 하지만, 원작 자체가 분량이 상당하다는 것과 각도에 따라서 핵심 내용이 달라질 수 있다는 것으로 인해서 과연 이 작품을 어떻게 영화화 할 것인가 라는 문제가 있기 때문이었죠. 물론 이준익 감독이 좋아하는 감독이긴 하지만, 원작이 원작인 만큼 과연 감독이 모든 것을 커버 할 수 있는가는 별개의 문제죠.

 일단 결과를 말씀드리자면, 이준익 감독은 원작에서 몇몇 케릭터와 컨셉을 차용하고 거기에 자신의 해석을 첨가하였습니다. 이준익 감독의 팬으로서도 만족스러웠고, 원작의 팬으로서도 납득가능한 작품이었죠. 일단 이준익 감독은 영화의 핵심 소제를 '정치'로 규정합니다. 임진왜란 전에 혼란스러운 상황, 서로 갈라져서 싸우기만 하는 조정, 서얼 차별과 불평등한 세상, 뜻있는 자는 핍박받고 역적으로 몰리는 부조리 등등을 통해 이준익 감독의 전작들-왕의 남자에서부터 님은 먼곳에 까지-과 다른 정치적인 냉소주의에 가득찬 시선을 영화 전반에 걸처 드러나고 있습니다.

 하지만, 이러한 정치적 냉소주의가 처음으로 나온 것은 아닙니다. 이는 이준익 감독의 데뷔작 '황산벌'에서 아주 강하게 드러나기도 했죠. 이게 왜 냉소가 가득한 블랙 코미디냐는 질문을 하실 수 있는데, 역사에 따르면 황산벌 전투에서 백제 삼천 결사대는 전멸 하였고, 그러한 역사적인 전제 아래에서 백제-신라군의 소풍과도 같은 초반 탐색전과 김유신의 계략에 의한 후반의 전투 장면의 대비는 정치가와 지배계급에 대한 혐오와 냉소가 깔려있다고 할 수 있습니다. 대표적인 장면이 바로 인간을 장기말로 두고 장기를 두는 것이죠.

 뭐 하여간, 이준익 감독에 대한 정치적 냉소주의는 사실 따지고 본다면 하루 이틀 된 것이 아닙니다만, 구르믈 버서난 달처럼은 그러한 정치적 냉소주의의 확대 재생산의 결과물입니다. 그러한 결과를 가장 잘 드러내는 것이 마지막 클라이맥스의 텅빈 경복궁 근정전에서 견자와 이몽학이 칼싸움을 벌이는 장면입니다. 왕은 백성을 버리고, 왜군은 경복궁으로 밀려들어오고, 스승, 동료, 백성, 그리고 자신을 이끄는 추종자와 이상을 버리면서까지 무능한 왕을 밀어내고 자신이 왕이 되고자 한 이몽학의 꿈이 산산조각 나는 이 장면은 보는 사람으로 하여금 참을 수 없는 씁쓸함과 허무감을 안겨줍니다. 이 장면에서 이몽학 역을 맡은 차승원은 현실을 버리고 잠에 취한 사람처럼 비틀거리는 열연을 통해서 꿈에 미쳐서 산 자가 결국 꿈에서 깨어 그 꿈의 허무함을 깨닫는 자의 모습을 인상적으로 연기했습니다.

 그리고 여기서 황처사의 마지막 유언이자 이 영화의 주제인 '구름을 벗어난 달처럼'이 나오게 됩니다. 지는 해(썩어빠진 왕조)를 쫒는 것이 아닌, 구름에 가렸어도 그곳에 존재하는 달(현실, 민중 등등 다양한 의미로 해석 가능합니다)이 있다는 것을 알아야 한다는 것이 이준익 감독의 주장입니다. 어떻게 보면 원작의 주제에서 크게 벗어난 이야기이기는 합니다만, 그럼에도 불구하고 같은 문구에서 새로운 구조를 도출한 점은 높이 평가해야 합니다.

 전반적으로 훌륭한 작품이지만, 단점이 전혀 없는 것은 아닙니다. 일단 원작에 비해 견자의 케릭터 자체가 개연성과 설득력이 많이 떨어지며(이게 큰 문제인데 배우의 연기가 떨어진다기 보다는 이 케릭터로 인해서 영화에 큰 구멍이 뚤렸다는 느낌), 원작을 아는 사람에게는 거의 천지개벽 수준의 원작훼손을 경험할 수 있기 때문입니다. 하지만 이러한 모든 단점들을 영화는 황정민의 맹인 검객 황정학 연기로 커버 합니다. 원작에서도 가장 인상적인 케릭터인 황처사를 황정민이 훌륭하게 표현하였는데, 능청스럽고 희극적인 성격을 가졌지만 그 속에 진득한 페이소스를 갖고 있는 복잡한 케릭터를 연기하는데 성공합니다. 또한 황정민의 검술 연기는 정말이지 '한국적'이라는 표현이 딱 들어맞을 정도로 이 영화의 최고의 하이라이트 입니다.

 비교를 해보죠. 일본의 유명 맹인 검객의 이야기를 다룬 영화 '자토이치'에서 기타노 다케시의 빠르면서 호쾌한 칼놀림을 통해서 직선적이며 강렬한 느낌을 심어주는데 성공하죠. 하지만, 황처사의 칼놀림은 마치 춤을 추는 듯한 유연함과 여유로움, 그리고 능청스러움을 동시에 보여줍니다. 근래 한국 영화에서 보았던 액션 장면 중 가장 멋있었다고 할 수 있을 정도로 말이죠.

 결론을 내리자면, 구르믈 버서난 달처럼은 전형적인 이준익 감독 영화입니다. 특유의 페이소스와 현실에 대한 냉소, 하지만 삶에 대한 따듯한 시선(논쟁의 여지가 조금은 있지만) 등은 이준익 감독의 특징이죠. 하지만 그런 닳고 닳은 전형성에도 불구하고 이준익 감독의 영화는 사람을 끄는 무언가가 있습니다. 똑같은 구조, 똑같은 플룻, 똑같은 케릭터지만 사람의 감성을 건드리는 진득한 그 무언가죠.(저는 페이소스라고 표현합니다만) 구르믈 버서난 달처럼도 그러한 이준익표 영화 중 하나이며, 올해 상반기에 개봉한 한국 영화 중에서 볼만한 가치가 충분히 있는 영화라 자신있게 말씀드릴 수 있습니다.

(관계없는 짤방입니다.)

패트레이버 극장판 1기 및 2기 소개

기동경찰 패트레이버 극장판 1기와 2기는 각각 1990년과 1993년에 개봉한 기동경찰 패트레이버 TV판의 극장판입니다. 1기 같은 경우에는 지금까지 많은 팬들에게서 훌륭하다는 평가를 들었지만, 2기 같은 경우에는 호불호가 심각하게 갈리는(정확하게는 이것이 과연 페트레이버인가 아닌가를 두고) 작품이 되었죠. 그외에는 원작 만화 에피소드를 기반으로 만든 세번째 작품인 폐기물 13호가 있습니다만 일반적인 평가에서 상당한 괴작으로 취급받습니다. 물론 저 자신 역시 폐기물 13호는 상당히 괴한 센스를 지닌 작품이라 생각합니다.

뭐, 폐기물 13호를 제외한 나머지 작품들을 중심으로 칼럼을 진행하도록 하겠습니다.  



패트레이버 1기 극장판-이것이 바로 패트레이버다.

1990년에 만들어진 이 기념비적인 작품은 TV판 및 OVA 버전의 페트레이버를 총집대성한 작품입니다. 알 수없는 레이버들의 폭주와 천재 프로그래머의 자살, 다가오는 위협과 특차 2과 2소대의 활약은 기본적으로 원 페트레이버 시리즈의 확장입니다. 특히 초반 도입부의 군용 폭주 레이버를 막는 장면이나 폭주 레이버가 빈민가를 때려부수면서 돌진하는 장면 등은 80년대 말에서 90년대 초의 버블 경기 막바지의 풍부한 자금을 바탕으로 그려진 화려한 작화, 그 자체입니다. 이 덕분에 페트레이버 1기 극장판은 지금까지도 수많은 팬들에게서 사랑 받고 있죠.

물론 1기가 기존의 페트레이버 시리즈와는 다른 부분도 다수 존재합니다. 먼저 원작에 없었던 상징 체계와 독특한 도입힌 직품입니다. 성서의 바벨 이야기를 모티브로 하여 만들어진 1기 극장판은 바벨과 천재 프로그래머 에바 호이치의 별명 에호바(히브리어로 신의 이름을 지칭하는 여호와, 야훼, 야후 등 중에서 여호와를 지칭하는 듯합니다.)라는 상징을 통해서 묘한 분위기를 만들어냅니다. 특히 바벨이라는 붉은 글자를 내보내는 바이러스에 감염된 HOS나 클라이맥스 부분의 까마귀와 갈매기 장면의 연출 등은 애니메이션을 본 사람들에게 강렬한 인상을 심어주는데 성공하죠. 또한 시작부에서 자살한 에바 호이치가 존재감 하나만으로 작품 전체에 팽팽한 긴장감을 부여하는 점 역시 훌륭합니다.

이는 오시이 마모루 영향이 크다고 할 수 있습니다. 사실 지금은 바로 '그' 공각기동대를 만든 감독으로 유명하고, 특유의 무거운 연출이 오시이 마모루 감독의 전매 특허이긴 했지만 공각기동대 이전까지는 우르세이 야츠라(국내 번역 '시끌별 녀석들')나 패트레이버 구 OVA에서 드러나는 특유의 개그 센스로 유명한 감독이었으니까요. 물론 오시이 마모루 자체가 sf영화 감독 지망생이었다는 점이나, 영화 붉은 안경 등의 케르베로스 연작 등에서 공각기동대의 원형을 어느정도 찾아볼 수는 있습니다만, 그것이 이제 구체화 되고 완성되기 시작한 것은 이 1기 극장판부터라고 할 수 있습니다. 게다가 오시이 감독의 2기 극장판은 패트레이버가 아닌 공각기동대에 가까운 작품이 되어버리고 말았죠. 

그런 의미에서 패트레이버 1기 극장판은 오시이 마모루 특유의 감각과 대중성이 작절한 접점을 만난 작품이라 할 수 있습니다. 우리가 흔히 알고 있는 오시이 마모루 작품이 대부분 특유의 무거운 분위기의 연출과 패트레이버 특유의 완성도 높은 일상 개그 부분과 드라마, 케릭터들이 적정 수준으로 섞이게 되면서 작품으로서 무게도 있고 재미도 있는 두마리의 토끼를 동시에 잡은 작품이죠. 사실, 이후의 2기 극장판 같은 경우에는 거의 오시이 마모루 취향의 작품으로 변모하였기 때문에 패트레이버 라는 이름을 붙이기 좀 껄끄럽기도 합니다. 뭐, 저 같은 경우에는 어느정도 이에 대해서 변명(?)을 해주려 합니다만, 기본적인 입장은 역시 패트레이버 라는 이름을 붙이기에는 너무 아쉽다는 겁니다.

그외 특이한 사항은 극장판 1기는 원작에 비해서 상당히 비장하다는 점입니다. 뭐, 2기는 더 심각하지만 1기도 보면 2과 전체의 목숨을 걸고, 오명을 뒤집어 쓸 각오로 방주를 때려 부수는 장면은 원작에 비해 비장미가 넘쳐흐릅니다. 원작도 2과 2소대라는 곳 자체가 경찰 내에서도 겉돌면서 권력의 한지라는 점 덕분에 제도를 뛰어넘는 행위를 상당히 많이 하기도 합니다만, 극장판은 아예 내놓은 자식, 버린 장기말 같은 느낌으로 표현하기 때문입니다. 2과 2소대의 성격을 극단적으로 표현하면 이렇게도 될 수 있구나, 싶은 부분입니다.

뭐, 결론적으로 패트레이버 극장판 1기는 80년대 말에 쏟아져 나온 명작 극장판 중에 하나이고, 패트레이버 시리즈는 여기서 정점을 찍었다고 할 수 있습니다. 2기 극장판 역시 훌륭하다 할 수 있습니다만, 오히려 이는 패트레이버 시리즈가 아닌 작품으로서 판단했을 때 입니다. 또한, 2기 극장판은 훌륭한 부분도 많지만, 패트레이버 라고 부르기에는 껄끄러운 부분도 많기 때문에 팬으로서는 짚고 넘어가야 하는 점이 한 둘이 아니죠.

그러한 이야기들은 다음 부에서 다루도록 하겠습니다.  

기본적으로 야구란 스포츠는 다른 스포츠들과 달리 힘이나 육체적 능력보다 '머리'를 굴리는 게임입니다. 타자와 투수의 볼카운트를 통한 심리전, 복잡한 수비체계 및 공격체계 등은 다른 스포츠에 비해서 선수나 감독들의 전략이나 생각이 들어서기 쉬운 구조를 취하고 있죠. 단순하게 팀워크나 선수 개개인의 능력에 많은 부분 의존하는 축구나 미식축구 등의 운동과는 많은 차이가 나는 스포츠가 바로 야구인 것입니다.

원아웃은 바로 야구의 심리전적인 부분에 초점을 맞춘 작품입니다. 사실 야구 만화가 점점 무협지(?)화 되어가는 추세를 고려하자면, 원아웃도 천재 승부가 토구치 토아의 원맨 쇼에 가까운 스토리 구조를 갖고 있습니다. 하지만 일반적인 야구 만화와 다른 점은 토아의 능력이 육체적인 측면이 아닌 심리전적인 측면에 강하다는 겁니다. 시속 120km, 구질은 오로지 직구 밖에 던지지 못하는 토아가 어떻게 신체적으로 뛰어난 다른 선수들과 팀을 제압하는가가 바로 이 작품이 초점을 맞추고 있는 부분이죠.

그런 분야에 초점을 맞추었다는 점에서 원아웃은 상당히 성공한 작품입니다. 일반적인 야구 만화들이 '적이 빠른 공을 던진다.'->'나는 더 빠른 공을 던진다.'라는 이야기 구조를 가지게 됨으로써 작품의 진행이 무뎌지고, 이야기가 단순화되는 문제를 갖게 됩니다. 하지만 원아웃은 '적이 빠른 공을 던진다.'->'적이 생각하지도 못한 방법으로 허를 찌른다.'라는 이야기 구조를 취하게 되면서 이야기의 진행은 긴장감을 갖게 되고 독자는 뒷이야기를 기대하기 됩니다.

또한 원아웃은 흔히 우리가 알고 있는 야구 규칙의 헛점을 이용하는 부분이 많습니다. 폭우 콜드 게임, 대주자 시스템, 원포인트 릴리프 시스템, 선수가 오너인 구단, 성과급 제도 등 평상시 야구에서는 보기 힘든 상황을 자주 연출합니다. 이로 인해 원아웃은 이야기 전개를 상상하지도 못한 부분으로 이끌게 되죠. 이러한 튀는 이야기가 작품 내에서 자연스럽게 연출되는 것 또한 이 작품의 묘미입니다.

원아웃은 매드하우스에 의해서 애니화되었는데, 만화에 비해서 아쉬운 부분이 많이 있습니다. 먼저 토구치 토아의 성우가 상당히 여린 목소리의 선으로 연기를 합니다. 사실 토아라는 캐릭터 자체가 갖는 옴므파탈 적인 카리스마가 이로 인해서 상당부분 깎여 나갔다고 할 수 있습니다. 나머지 연출이나 작화 상태는 상당히 뛰어나기에 큰 불만은 없습니다만, 가장 큰 문제는 애니메이션 자체가 만화의 최고 클라이맥스의 전부분에서 끝났다는 겁니다. 사실 작품의 진정한 클라이맥스는 블루 마즈의 트릭 스타디움 이후라고 할 수 있기에, 애니메이션은 원작을 반토막 내버렸다고도 할 수 있습니다.

결론적으로 원아웃은 근래 나온 야구 만화 중에서는 발군이라 할 수 있습니다. 여태까지 야구 만화장르가 걸어온 클리셰를 한번에 뒤집어 버린 통쾌한 작품으로 야구 만화를 좋아하시는 분이라면 필히 감상하셔야할 작품이라 단연코 말씀드릴수 있습니다.

*애니메이션 신선조 동란 편(애니메이션 기준 105화)까지 감상한 후에 작성한 리뷰입니다.